Dibujo con lapiz

Dibujo con lapiz

Agudiza tus habilidades con estas técnicas de dibujo a lápiz, tanto para lápices de grafito como de color

Estas técnicas de dibujo a lápiz de los mejores artistas te ayudarán a llevar tus habilidades de dibujo al siguiente nivel, tanto si utilizas lápices de grafito como de color.

Para muchos artistas, el dibujo a lápiz es la habilidad que les introdujo en el mundo del arte, e incluso si has pasado a un medio diferente, entender cómo dibujar con un lápiz puede ayudarte a mejorar tus habilidades en otros lugares. Estas técnicas de dibujo a lápiz cubren todo, desde los fundamentos de la fabricación de marcas hasta los procesos avanzados para sacarte de tu zona de confort.

También te ofreceremos consejos sobre las herramientas y materiales que necesitas saber, como los muñones de mezcla, las opciones de papel y los diferentes borradores. Para un poco de inspiración extra, echa un vistazo a los dibujos a lápiz más increíblemente realistas que hemos visto nunca.

¿Tienes poco tiempo? El vídeo de pié de página, del canal «Arte vivo y divertido», muestra algunas técnicas de dibujo a lápiz en acción. Para obtener consejos más profundos sobre la composición y cómo capturar la luz y la sombra, echa un vistazo a nuestro artículo sobre técnicas de arte. O, para inspirarse, echa un vistazo a este resumen de dibujos a lápiz increíblemente realistas.

tecnicas de dibujo con lapiz

27 técnicas básicas del dibujo con lapiz

1. Usa el agarre correcto

El primer paso es dominar cómo sostener un lápiz correctamente. Recomiendan sostener el lápiz como si fuera un trozo de carbón, y usar el lado de la mina para dibujar, en lugar de la punta. Esto ayuda a mantener el lápiz más afilado por más tiempo.

«Cuando cubro grandes áreas, sombreo con mi lápiz perpendicularmente a la línea que estoy dibujando para obtener líneas anchas y suaves», añade. «Para los detalles, mantengo mi lápiz paralelo a las líneas para obtener marcas nítidas y estrechas. La única vez que uso el punto es cuando estoy trabajando en detalles intrincados.»

«Es importante tener en cuenta desde dónde se hace la marca: desde los dedos, la muñeca o el hombro», añade el artista del canal.

2. Considera tus líneas

El tipo de marcas que estás haciendo formará la sensación y el aspecto de tu dibujo a lápiz. Cosas como la rapidez con que dibujas una línea y el peso que pones en un trazo cambiará el aspecto de la línea. «Una línea pesada es oscura y definida; una línea ligeramente dibujada es pálida y exploratoria», dice el canal. «Cuando estés empezando, intenta evitar las marcas inciertas y plumosas.»

3. Empieza con una línea poco dibujada

Muchos artistas prefieren empezar su dibujo a lápiz trazando la escena con un sub-dibujo áspero y ligero – esto puede ser especialmente útil si el juego final es un dibujo de líneas precisas. «Tener una base más fluida te ayuda a ver el resultado final sin el intimidante compromiso de conseguir que todo sea perfecto», dice el artista del canal.

Para dibujar con lápiz, asegúrate de usar una mina dura (alrededor de 2H) para asegurarte de que las líneas son ligeras y fáciles de borrar. Alternativamente, puede usar un calco digital, impreso a un 1% de Opacidad. De cualquier manera, asegúrese de que esto actúa como una base en lugar de una guía estricta. «Creo firmemente en dejar que la intuición se encargue del proceso de creación, por lo que trabajo con el calco más como una guía», continúa el artista del canal.

4. Trabajo de izquierda a derecha

Los lápices son propensos a mancharse, y cuanto más suaves son, más difícil es mantener las cosas limpias. Sin embargo, planificar en qué área de la composición se trabaja primero puede ayudar. Esencialmente no quieres apoyar tu mano en áreas que ya has dibujado, lo que significa que a menos que tengas un agarre de lápiz inusual, quieres trabajar de arriba a abajo. Entonces los diestros deben trabajar de izquierda a derecha, y los zurdos se mueven de derecha a izquierda.

dibujo con lapiz

5. Intente un dibujo de contorno a ciegas

Un ejercicio común para empezar es el dibujo de contorno a ciegas. «Coloca un sujeto frente a ti y fija tu ojo en la parte superior del mismo, colocando tu lápiz en el papel. Sin mirar al papel, traza tu ojo alrededor del sujeto, siguiendo sus bordes y contornos, y mientras lo haces, deja que tu lápiz siga el mismo camino en el papel», explican. «Dibuja en una sola línea ininterrumpida y no vuelvas a mirar el dibujo hasta que hayas terminado.»

El resultado parecerá extraño e incorrecto, pero eso no es un problema. El objetivo de esto es ayudarte a dibujar con confianza y de forma inconsciente, y es una gran manera de superar el miedo a mirar una página en blanco. «Repita el ejercicio regularmente como calentamiento para que su mano trabaje junto con su ojo», sugieren.

Puede adaptar el ejercicio moviendo el ojo hacia abajo a la página a intervalos regulares, e intentando ajustar el estilo de línea y el peso para describir con precisión lo que ve (sigue usando una línea continua). «No busques una proporción exacta, sino un proceso honesto de mirar y hacer marcas, sin pensar demasiado en el dibujo», concluye.

6. Variar el grosor de la línea

Variar el grosor de la línea que utiliza ayuda a guiar a su espectador a través de su dibujo, explica el canal. Líneas más gruesas pueden ayudar a indicar la importancia, o decirle al espectador que algo está en el primer plano de la escena. También pueden utilizarse para distinguir entre dos objetos separados y superpuestos – una línea más gruesa en el exterior de un objeto ayuda a diferenciar las líneas exteriores del objeto de las líneas que representan los detalles en su interior.

En el ejemplo anterior, se puede ver cómo se pueden combinar diferentes pesos de líneas para hacer que una forma parezca más tridimensional.

7. Mezclar las técnicas de sombreado

Hay muchas técnicas diferentes de dibujo a lápiz relacionadas con el sombreado. El artista utiliza dos enfoques principales. El primero es con todas las líneas yendo en la misma dirección. «Esto hace que mi sombreado parezca más cohesivo, y ayuda a que mis detalles salgan de las líneas que estoy usando para el sombreado», explica.

El segundo método implica trabajar en parches de sombreado, para ayudar a definir la forma. «Los parches de líneas rodean la forma, lo que ayuda a mantener las cosas en perspectiva», dice. Esta técnica también es genial para los fondos y la creación de texturas.

8. Con el trabajo de detalle, controla tus líneas

Si estás trabajando en un área detallada, ten cuidado con tu línea de lápiz. «Cuando se trata de crear un trabajo de línea más limpio y ajustado, la clave es ser consistente», dicen en el canal. «No sólo debes ser consciente del aspecto de tu línea, sino también de la presión que estás aplicando al lápiz y al papel. Sea activamente consciente en esta etapa y no se apresure». Sugiere que regularmente retroceda para comprobar el efecto general de su trabajo, y asegurarse de que mantiene su línea estable durante todo el tiempo.

9. Mezcla maestra

El artista español José Manuel Gallego Garcia tiene un proceso específico para mezclar su trabajo con lápices de colores. Comienza con un bosquejo, para comprobar que la forma es correcta antes de comprometerse con el lápiz de color (es mucho más difícil borrar las áreas coloreadas que un bosquejo). También le ayuda a planear dónde caerán las luces y las sombras.

Luego construye el color usando capas sutiles. «Me gusta empezar con capas suaves para tener una mejor idea de la ubicación de la iluminación, las sombras y la paleta de colores», dice. Después de cada capa ella mezcla suavemente usando el muñón de mezcla.

Una vez que ha alcanzado una etapa con la que está contenta, pasa al paso final: añadir un contorno. Para esta última capa, Gallego utiliza sólo lápices de color, y no se mezcla con un muñón.

10. Comienza ligeramente y construye a partir de ahí

«Cuando empiezo a dibujar, planifico y exploro usando líneas sueltas, y evito comprometerme demasiado pronto con líneas duras y oscuras», dice Gallego Garcia. «A medida que avanzo mis líneas cambiarán, por lo que comprobar y volver a comprobar mi trabajo es vital. Oscurezco mis líneas y añado detalles al final. No me concentro en un área por mucho tiempo para evitar el sobredimensionamiento».

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11. Limpia después de ti mismo

Tu borrador puede ser tan importante como el propio lápiz. Existen varios tipos diferentes (consulta la sección Herramientas para obtener más información al respecto), pero sea cual sea el que elijas, asegúrate de tenerlo a mano siempre que trabajes. «Cuando una línea se hace demasiado gruesa, borro toda la línea o trato de alinear el borde del borrador para adelgazar la línea existente», dice Gallego Garcia. «Me gusta limpiar durante todo el proceso y al final hago un barrido final para asegurarme de que no se me pasó un área antes de llamarla hecha».

12. Comprobar y volver a comprobar

Antes de pasar a líneas más fuertes y trabajo de detalle, es esencial asegurarse de que tiene la forma correcta abajo. El consejo del canal es revisar y revisar de nuevo. «Tengo que clavar los fundamentos de mi dibujo antes de poder añadir detalles. Quiero asegurarme de que las cosas son simétricas y mirar bien antes de poner líneas más fuertes y duras».

También sugiere mirar tu trabajo en un espejo o a través de una cámara. Considerar diferentes puntos de vista es una gran manera de resaltar si algo está mal. «Constantemente me pregunto, ¿se siente esto bien? Si algo parece estar mal, incluso si no puedo poner inmediatamente el dedo en la llaga, confío en mi instinto y soluciono los problemas de mi dibujo antes de continuar.»

13. Saber cuándo parar

La mayoría de los artistas tienen tendencia a alterar su trabajo, incluso después de haber firmado con su nombre. «Siempre puedo encontrar algo para cambiar si busco con suficiente fuerza, por lo que puede ser difícil saber cuando una pieza está realmente terminada», dice Gallego.

Sin embargo, ten cuidado de no trabajar demasiado tu pieza. «Eventualmente, tomo una decisión consciente de dejar mi dibujo y comenzar algo nuevo», continúa. «Es entonces cuando considero que mi dibujo está hecho. Bueno, tal vez…»

14. Escoge el lápiz correcto

El lápiz que elija tendrá un gran impacto tanto en las técnicas que puede usar como en el aspecto de su obra de arte. Diferentes tipos de lápices son mejores para diferentes estilos de obras de arte, y también necesitas considerar la dureza de tu mina.

Los lápices de grafito tradicionales están disponibles en una escala de dureza de 9H (duro, pálido) a 9B (blando, oscuro), con HB y F en el centro de la escala. «Típicamente, los grados H son adecuados para el dibujo técnico, mientras que los grados B son lápices de dibujo ideales», explica Gallego. Sugiere que un lápiz 2B o 3B es un buen lugar para empezar con los dibujos a lápiz en general.

Luego hay que elegir el tipo de lápiz. Los lápices de grafito tradicionales tienden a redondearse rápidamente, por lo que necesitan un afilado regular para producir una punta de tamaño consistente. Cuanto más suave sea tu lápiz, más afilado tendrás que hacer. Los lápices tradicionales son ideales para sombrear, especialmente áreas grandes.

La otra opción principal es un lápiz mecánico (ver nuestra guía de los mejores lápices mecánicos para dibujar). Estos ofrecen bordes limpios y nítidos, y son mejores para mantener una línea consistente. Tampoco es necesario afilarlos. Si estás creando una obra de arte grande, ten en cuenta que un lápiz mecánico puede ralentizar el proceso de dibujo. Para una mirada más profunda a tus opciones, echa un vistazo a nuestra guía de los mejores lápices.

15. Afila correctamente

«Algunos dibujos requieren una punta fina y afilada para trazar una línea nítida, otros un lado ancho y plano de la mina del lápiz para bloquear el tono. A veces, una punta roma puede servir para tus propósitos», dice Gallego. «Sea cual sea tu preferencia, asegúrate de tener siempre un afilador a mano».

De nuevo, hay algunas opciones aquí. Elija entre un sacapuntas de mano normal (portátil, fácil de usar), un sacapuntas helicoidal de mesa (normalmente más duradero, y que permite afilar el lápiz con una punta más larga) o un cuchillo de artesanía (consigue la punta que quieres, pero existe el peligro de rebanarte los dedos).

16. Proteja su papel

Esta es una valiosa técnica de dibujo a lápiz para principiantes: pon un trozo de papel bajo mi mano para evitar manchar tu dibujo mientras trabajas. Parece obvio, pero puede ser la caída de una gran obra.

Healy también prefiere montar su papel en una tabla, fijándolo con una capa de medio mate. Esto ayuda a mantener las cosas ordenadas, y proporciona una superficie sólida para trabajar.

17. Explora diferentes texturas de papel

La textura de la superficie en la que estás trabajando marcará una gran diferencia en los efectos que puedas crear. Esto se conoce como el grano o «diente» del papel. Un diente áspero es más visible, y las crestas agarrarán el color de tus lápices.

Con un diente liso, las crestas son muy finas, y hay menos agarre. José Manuel Gallego Garcia encuentra que este tipo de papel proporciona una superficie más fácil para mezclar lápices de colores, aunque advierte que también es fácil quitar el color de la superficie.

18. Invierte en un borrador de masilla

Hay unos pocos tipos diferentes de borradores, y cada uno se adapta a cosas diferentes. Muchos lápices tienen una cabeza de goma pequeña, que es ideal para adelgazar las líneas que se vuelven demasiado gruesas. Sin embargo, no confíes sólo en esto: también querrás invertir en un borrador amasado. Este tiene una consistencia similar a la de la masilla (a veces se le llama goma de masilla), y lo amasas antes y después de usarlo.

«Un borrador amasado es mejor para recoger ligeramente la encuadernación de lápices de colores del papel. Esto funciona de maravilla cuando se corrigen errores, o si se levanta deliberadamente el color de una zona como los ojos», dice José Manuel Gallego Garcia. Un borrador de goma de mascar tiene una consistencia más sólida, y es mejor si estás tratando de borrar completamente un área coloreada.

19. Pruebe un muñón para una mezcla suave

La forma en que usted mezcla su trabajo puede tener un gran impacto en el resultado final. Para un efecto de mezcla suave, pruebe un muñón de mezcla.

«Después de cada capa ligera, mezclo muy suavemente los lápices de colores con el muñón», dice José Manuel Gallego Garcia. «No empujes demasiado fuerte o el color se pegará, lo que hace más difícil mezclar suavemente. Repito este proceso tantas veces como sea necesario. Después de muchas capas produce un aspecto muy suave y delicado.»

Esta técnica requiere un poco de prueba y error, sin embargo. José Manuel Gallego Garcia advierte que si se mezcla muy suavemente, el muñón puede tomar el color que ya se ha aplicado en el papel.

20. Unifica tus colores

Tener un enfoque uniforme del color ayudará a dar cohesión a su trabajo. «Es una buena idea asegurarse de que su obra de arte tiene colores unificados», dice José Manuel Gallego Garcia. «Esto consiste en una paleta de color particular, el estado de ánimo y una forma de difundir estos a través de toda la pieza de arte.»

También sugiere crear una base armoniosa usando papel teñido o añadiendo un lavado de color de fondo (en la pintura). «Esto se mostrará a través de lo que se ponga encima, dándole así una apariencia de cohesión. Cuando uso lápices de color, me gusta usar papel teñido producido por Kraft.»

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21. Intenta diferentes enfoques para los contornos

La siguiente técnica de dibujo se refiere al peso de las líneas. Además de demarcar diferentes objetos, las líneas pueden ayudar a enfatizar las sombras. «Las líneas más gruesas pueden desvanecerse y desaparecer en las sombras, lo que puede ayudar a transmitir la forma 3D», explican.

Más allá de eso, los diferentes artistas tienen diferentes enfoques de las líneas – tienes que encontrar el estilo adecuado para ti. «Prefiero usar un contorno distinto en mi obra de arte, ya sea usando contornos finos o contornos en negrita», dice José Manuel Gallego Garcia. «Puede ayudar a señalar con precisión el ojo del espectador a una cierta área. También da un aspecto estilizado, si eso es lo que esperas conseguir.»

Otros, sin embargo, prefieren un enfoque diferente. «Trato de evitar delinear mis dibujos porque esto tiende a hacer que las cosas parezcan planas y amortiguar el efecto 3D. Las roturas y los espacios en mis líneas muestran la forma en las luces y las sombras.»

22. Dibuja sobre tus propias experiencias

«Sumérgete en tus experiencias para añadir una capa especial de autenticidad a tu pieza», sugiere José Manuel Gallego Garcia. «Esto significa usar algo como un recuerdo, sentimiento u olor al crear tu obra. Por ejemplo, el sentimiento especial que experimentaste cuando te sentaste con un amigo en una cafetería, o un recuerdo de una experiencia de la infancia. Puedes ser abstracto o usar el hiperrealismo. Lo que sea que elijas hace que la pieza sea única para ti. He encontrado que la gente resuena más con estas piezas».

23. Usar conceptos contrastantes

Una técnica de dibujo que Healy utiliza en su trabajo es utilizar conceptos contrastantes dentro de una obra, por ejemplo, yuxtaponer la belleza y la fealdad. «Usaré la belleza de los colores, las flores, la suavidad de la piel o el cabello, y la forma femenina. También tenderé a usar algo que es lo opuesto a todo eso, como huesos, insectos, dientes afilados, o cualquier cosa que pueda proporcionar incomodidad al espectador», elabora. «De alguna manera esto proporciona un concepto interesante a una pieza. Especialmente cuando las partes ‘feas’ son más difíciles de detectar al principio. Para mí, esta es una representación muy clara de cómo es la vida».

24. Intenta combinar lápices con acuarela

Mientras que los lápices por sí solos pueden ser utilizados para crear una gran cantidad de efectos diferentes, puede ser interesante combinarlos con otros medios. Por ejemplo, en su trabajo, a José Manuel Gallego Garcia le gusta combinar la acuarela y los lápices de colores. Es importante comenzar con la acuarela y luego colocar lápices de colores en la parte superior, explica, porque los lápices pueden crear una superficie cerosa que repele el líquido, y evita que la acuarela se empape en el papel.

«Es una técnica divertida de probar», dice. «Ambos medios tienen cualidades y texturas únicas. La combinación de los dos elementos crea un medio propio».

25. Salga de su zona de confort

Mientras que estas técnicas de dibujo a lápiz deben ayudar a entender lo esencial del medio, a veces es necesario tirar las reglas por la ventana y encontrar lo que funciona para usted. «No hay nada malo en salir de la caja si significa lograr el efecto que quieres», dice José Manuel Gallego Garcia. «El ensayo y el error ocurrirán cuando salgas de esa caja. ¡Pero no te dejes intimidar! El proceso es completamente divertido.»

26. Crear la tela

La tela puede variar desde lisa y brillante hasta mate y aburrida. La forma en que lo sombrees ayudará a vender la idea de la tela que estás tratando de representar. Para este boceto, José Manuel Gallego Garcia está tratando de capturar los pliegues dorados del material que se encuentra en la imagen original. Comenzó por delinear las formas y bloquear las áreas de sombra.

27. Categoriza tu tejido

José Manuel Gallego Garcia explica cómo se puede añadir valor y sombreado para crear más capas de profundidad y peso. Dice, «al dibujar y recrear la tela, los tipos de arrugas creadas pueden ser colocadas en tres categorías separadas: colgadas/relajadas, estiradas/tensión, y estrujadas/comprimidas».

«La tela que cuelga tiende a estar suelta y a tener una apariencia fluida. El tejido estirado crea largas líneas, generalmente con un punto de apoyo. Las telas comprimidas se amontonan unas con otras, creando áreas de apariencia arrugada.»

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